Los autores declaran que no existen conflictos de intereses.
Se presentan los fundamentos teóricos del tratamiento didáctico del arte local en el proceso de enseñanza-aprendizaje de la Historia y Apreciación de las Artes en la carrera Licenciatura en Educación Artística y la importancia que desde este proceso se contribuya a la reversión de los efectos negativos que, en los estudiantes tienen las influencias de la colonización cultural. Se emplearon los métodos histórico-lógico, análisis-síntesis e inducción-deducción. Los resultados principales demuestran la necesidad de argumentar que el arte local es un contenido del proceso de enseñanza-aprendizaje de la Historia y Apreciación de las Artes en la carrera Licenciatura en Educación Artística.
La caída de un modelo de construcción socialista en Europa reforzó los viejos anhelos colonizadores de las antiguas metrópolis, hoy potencias imperialistas. La teoría del Fin de la Historia de Francis Fukuyama y la globalización neoliberal fueron las formas ideológica y económica a imponer por el nuevo hegemonismo imperial.
A ese proceso, hoy elevado a niveles de socialización forzada, gracias a la revolución tecnológica y al dominio de los medios de producción de las ideas predominantes, se le conoce como Colonización Cultural.
La colonización cultural arrasa las identidades nacionales, la memoria colectiva de naciones y comunidades, sus símbolos, sus raíces. Estimula la amnesia cultural e histórica, vacía de sentidos conceptos como patria, pueblo, nación y promueve el complejo de inferioridad típico del colonizado ante la cultura superior de los colonizadores.
En ese escenario, contradictoriamente a lo que se pudiera pensar, es el Arte, como expresión de creación y recreación sublime de los sentidos y sentimientos humanos, el “arma” eficaz a arrebatar a las “huestes conquistadoras” para “combatir” las influencias enajenantes de la colonización cultural y hacerlo en sus propios ambientes de dominación, dígase en los espacios físicos como las comunidades, como los virtuales, en las redes sociodigitales e internet.
Definir actualmente el arte resulta complejo, ya que existe un universo cada vez más amplio de manifestaciones, técnicas, experiencias, que han ampliado el espectro de lo que por primera vez fue considerado como tal. Son muchas las investigaciones y debates que, de diversas ciencias, a lo largo de la historia, se han suscitado, lo que demuestra la importancia de las artes para el desarrollo del hombre. Sin embargo, se debe significar que con el surgimiento del Marxismo se abrió una nueva etapa para la comprensión del arte, sus funciones y su historia, pues los teóricos marxistas comprobaron que es un reflejo de la realidad social determinado por condicionamientos sociales, históricos, económicos, y, además, forma parte de la ideología.
La colonización cultural propone rechazar todo desafío intelectual de cierta complejidad, pretende rendir culto a la simplificación, a la superficialidad, al vivir el presente, a borrar el pasado y a no pensar en el futuro, al consumismo como único camino hacia la felicidad. Es una convocatoria a practicar el más despiadado individualismo, a pensar únicamente en salvarse cada quien sin tener en cuenta a los demás, a desechar las soluciones colectivas, a convivir con la idea de que todo triunfador llega a su meta gracias a la derrota de los perdedores.
Inoculan la farsa de que las personas que viven en la miseria son responsables de sus desgracias, de modo que permanezcan ocultas las causas de las inmensas desigualdades sociales que hoy padece el mundo. Hacen creer a sus seguidores que tienen libertad de elección, cuando, en realidad, como mismo sucede con las “cartas de los menús”, ya algún “Chef” ha decidido lo que se tiene que consumir, previamente inducido desde los laboratorios que modelan los gustos y los estereotipos, lo “cool” y lo sexy, lo próspero y lo fallido, quien triunfa y quien pierde.
El reto es formar un individuo con pensamiento crítico, capaz de consumir cuanto producto cultural enajenante se produzca por las maquinarias colonizadoras hegemónicas, desde la capacidad de apreciar correctamente las obras de arte, con peso desde la localidad y apoyado en un efectivo proceso de enseñanza-aprendizaje de la Historia y Apreciación de las Artes, como ocurre en la carrera Licenciatura en Educación Artística.
En consecuencia, resulta imprescindible fundamentar esa asunción teórica desde el Marxismo-Leninismo, el enfoque Histórico-Cultural, y los aportes de la pedagogía cubana para argumentar que el arte local es un contenido del proceso de enseñanza-aprendizaje de la Historia y Apreciación de las Artes en la carrera Licenciatura en Educación Artística.
Con el surgimiento del Marxismo se abrió una nueva etapa para la comprensión del arte, sus funciones y su historia. El punto de partida es la concepción dialéctico-materialista de la Historia, formulada por Marx y Engels, en la década del 40 del siglo XIX: “No es la conciencia de los hombres la que determina su ser, sino por el contrario, el ser social es lo que determina su conciencia” (
Según
Lo anterior demuestra el carácter social y antropológico que posee el arte, al cobrar sentido cuando interactúa con los receptores. Esta alcanza su verdadero significado cuando el espectador se apropia de ella y la convierte en una experiencia que inevitablemente ha de transformarlo.
El arte como conocimiento formado por un sujeto creador, asumido por quienes le disfrutan y aprecian, emerge porque existe un ser humano, que vive y se interrelaciona en una realidad objetiva y material y que solo puede convertir esa realidad en arte, primero “descubriéndola” con sus sentidos, elaborándola en su cerebro y devolviéndola de manera recreada a la naturaleza y a la sociedad.
De igual modo no puede soslayarse, para una objetiva apreciación y educación en la apreciación de las artes, lo planteado por
Las ideas de la clase dominante son las ideas dominantes en cada época, o dicho, en otros términos, la clase que ejerce el poder material dominante en la sociedad es, al mismo tiempo, su poder espiritual dominante. La clase que tiene a su disposición los medios para la producción material dispone con ello, al mismo tiempo, de los medios para la producción espiritual, lo que hace que se le sometan, al propio tiempo, por término medio, las ideas de quienes carecen de los medios necesarios para producir espiritualmente. (p. 50)
Esto quiere decir, que para una correcta apreciación de las artes está presente la invariante: quién produce el arte y quién domina los medios para producirlos. Las respuestas a esas interrogantes determinan, en última instancia, las necesidades y los objetivos de la producción artística.
Por otra parte, los sujetos que aprecian las obras de arte deben hacerlo, no solo motivados por el afán de aprender (por deber o para la vida), porque les atrajo el contacto con lo bello y sublime de la obra de arte, sino que, al conocer a la obra, al sujeto creador, a la localidad, sienten que forman parte de lo conocido porque se identifican con su manera de ser y de pensar, que son miembros de la comunidad social que lo nutre, que ampara a su obra y abriga a quienes a aprecian. Un sujeto que interactúa así, crece dentro de sí.
En este ejercicio de la apreciación, se advierte el cúmulo de relaciones humanas que contribuyen a facilitar la creación, como expresión de la cultura local y nacional. En ella desempeña un papel esencial lo simbólico para comprender los diferentes códigos, símbolos y expresiones artísticas que reflejan determinados aspectos sociales y culturales, cuyos significados solo el hombre puede comprender. Su capacidad imaginativa le permite decodificar ciertos códigos ocultos en las obras de arte que subyacen en lo superficial, y por medio de las analogías establece relaciones para comprender la obra.
Por ende, la función principal del arte estriba en satisfacer las necesidades estéticas de los seres humanos. Por lo que, a partir de la recreación artística de la realidad, el artista proporciona placer estético, enriquecimiento espiritual y satisfacción personal en sus diversas formas de expresión. Siendo así, el arte resulta no solo un contenido de la educación del ser humano, sino también un medio para educarlo, para ampliar su visión del mundo y de sí mismo.
Por tanto, se debe tener en cuenta que la vinculación del arte con la realidad social parte de tres supuestos sobre la realidad: la misma está en constante movimiento, es un proceso multidimensional y además sintetiza diversos procesos temporales. Por lo que la comprensión del arte debe asumirse como un principio activo de la vida colectiva, susceptible de contribuir por sus propios medios a sus dinámicas de transformación social.
Se sabe que el sujeto creador al nutrirse de los diversos contextos para la conformación de la obra de arte, está influenciado por condiciones económicas, políticas y sociales. Por lo que ningún estudio sobre el arte puede descuidar los procesos físicos, las necesidades del organismo humano con las cuales se relacionan los medios de producción, en tanto todo ello ocurre dentro de situaciones sociales históricamente condicionadas, por eso se deberá otorgar importancia al estudio histórico, al análisis general de un período o sociedad dados, y su reflejo en las obras de arte, de modo que tanto el contenido como la forma puedan ser representados como dependientes del hecho conocido.
El entorno natural es otro de los factores que influyen en el desarrollo de los sujetos, esto incluye un grupo de elementos particulares inherentes a cada región, como lo son su propia geografía, las riquezas materiales, suelos, hidrografía, incluso, el propio clima, su flora y fauna; por tanto, estos pueden influir de alguna manera en los sujetos creadores y reflejarse en sus obras de arte, así como en los eventos culturales locales. Las razones anteriormente expuestas demuestran que para el análisis de las manifestaciones artísticas locales es necesario advertir las características formales de la obra y los contextos históricos, artísticos, el entorno natural y a la vida del sujeto creador.
Lo anterior conduce a pensar en el valor de la educación artística como tarea y resultado de la relación entre arte y educación con un criterio pedagógico, ya que brinda la posibilidad de transformar a los estudiantes, tanto en lo cognitivo, como en lo afectivo, social y espiritual, al aproximarlos de una manera singular y atractiva a lo que otros piensan, a comprender, admitir y tolerar otras formas de sentir y de pensar, que les permitirán aprender a ser, aprender a convivir y aprender a aprender.
Tales postulados cobran relevancia en la educabilidad de docentes y estudiantes de Educación Artística, quienes, al apreciar las obras de arte de la localidad, no solo comprenden el mundo que les rodea, sino además, se apropian de sentimientos, actitudes y valores de identidad relacionados con el amor y el respeto a la tierra donde se nace, al arte y las tradiciones culturales del territorio donde se vive, y por consiguiente, pueden incidir en la educación de otros sujetos en los contextos educativos.
Las investigaciones en el campo de las artes han demostrado que la actividad artística, los sentimientos y necesidades estéticas de aquellos que la consumen, tienen su origen en la necesidad de la interacción de los seres humanos con las obras de arte, mediante los procesos de socialización e individualización. En este sentido, cobran importancia los contextos como espacios de interacción sujeto-objeto. Sin embargo, para los estudios sociales del arte el estudio de lo local constituye un contexto determinante en la conformación de un proceso artístico-cultural.
En el campo educativo, al enseñar el arte de la localidad, ocurre la internalización de sus rasgos esenciales, de manera que el estudiante se apropia de los conocimientos, habilidades y valores, que materializa en sus modos de actuación y repercute en la socialización que desarrolla en los contextos educativos con el fin de la plena inserción social.
Tal cuestión connota las instituciones culturales, la universidad, la comunidad y las entidades laborales de base, como agencias socializadoras, que necesitan el tratamiento del arte local para educar en correspondencia con los valores de identidad. A partir de lo planteado, dichos contextos desempeñan un papel básico en la formación del profesional de la Educación Artística, al ser aquellos espacios donde interactúan los estudiantes mediante la comunicación y el desarrollo de actividades de interés individual y colectivo, donde participan, aprenden y socializan sobre arte local.
Es la localidad el espacio más asequible, cercano y, por ende, idóneo para que se produzca el intercambio de los estudiantes de Educación Artística con el arte y sus creadores, contexto con el cual posee rasgos comunes, pues convive día a día con este al ser parte de su entorno. Por tanto, se concede especial significación a la influencia del contexto local por desempeñar un papel esencial y determinante en el desarrollo del estudiante, quien no recibe pasivamente la influencia, sino que la reconstruye activamente. Todo con especial atención al papel de la interacción social con los otros (especialmente con expertos y docentes) tiene importancia fundamental para el desarrollo psicológico (cognitivo-afectivo) y la formación de valores en el estudiante.
Los valores no existen fuera de las relaciones sociales, de la sociedad y el ser humano, ellos designan la significación de los hechos, fenómenos, sujetos, relaciones y procesos para un individuo, un grupo o la sociedad en general. De ahí el papel de la educación en la transformación de la sociedad, que en el contexto cubano adquiere carácter axiológico al ser portadora de los medios y los recursos para formar al estudiante con una ética, que responda al contexto en que vive y lo transforme en beneficio comunitario, lo que se materializa en su condición humana y la auto transformación.
A tono con lo planteado, el educador del arte debe ser un agente activo de la realidad, capaz de promover el desarrollo autorregulador de la personalidad, incentivar la imaginación, al proveer conocimientos sensoriales a través del acercamiento a las obras de arte local. De esta manera al valorar las obras de arte, emerge lo afectivo, a la vez que contribuye a la formación de valores, adquirir visiones, concepciones y conocimientos relacionados con su arraigo cultural y su identidad. Si bien esta idea alcanza trascendencia, requiere de argumentos teóricos que favorezcan la distinción del arte local en el proceso de enseñanza-aprendizaje de la Historia y Apreciación de las Artes, para contribuir a la formación de valores de identidad local.
La identidad es asumida como el conjunto de valores históricos, propiamente culturales en el sentido total y amplio del término y valores estrictamente artísticos, lo que reafirma el sentido de pertenencia hacia un grupo social e implica la interiorización de las cualidades, las vivencias y las situaciones del entorno social.
La identidad cultural local será vista como la identificación de un grupo humano con aquellos elementos del espíritu mismo de las culturas: la tradición oral, bailes, juegos, comidas, vestimenta, prácticas; así como el reconocimiento a personalidades de la comunidad. Además, están asociados la historia, ceremonias religiosas, comidas, juegos, fiestas, artesanía y al desarrollo cultural de la localidad. Por lo anteriormente expuesto se significa que el estudio y apreciación del arte local promueve la formación de valores de identidad, al suscitar el vínculo con las obras de arte del territorio y sus artistas.
Desde la psicología, el abordaje del tema desde el paradigma de la educación referido al enfoque Histórico-Cultural, es pertinente por la concepción integradora de educación y el desarrollo humano, la visión histórico cultural de la cognición, la interdependencia de lo cognitivo y lo afectivo y la mirada de la psicología del arte, transitada por la vivencia, elemento indispensable para el estudio del arte local, que precisa del contacto directo con la obra de arte, su creador y los eventos culturales en los que se socializan para desarrollar valores de identidad.
Para Vygotsky, el aprendizaje constituye un proceso social en el que las funciones mentales de orden superior son producto de una actividad mediada por la sociedad, donde el lenguaje es la herramienta psicológica que más influye. Primero el individuo realiza las acciones exteriores, que serán dilucidados por los que le rodean, de acuerdo con los significados culturalmente establecidos. A partir de esta interpretación es que le será posible al individuo atribuir significado a sus acciones individuales y desarrollar sus propios procesos internos psicológicos, que pueden ser interpretados no solo por él mismo, partiendo de los mecanismos establecidos por el grupo y comprendido a través de los códigos culturales compartidos por los miembros de este grupo (
Asimismo, es importante atender al papel de la actividad en el desarrollo de los procesos psíquicos y de la formación de la personalidad, a través de la relación entre los sujetos (mediada por la comunicación) y entre estos y los objetos de la actividad.
Una actividad es orientada por un motivo, las acciones son orientadas por metas y las operaciones por condiciones. En esta concepción la actividad es un proceso, vista como un todo, no una secuencia lineal de acciones individuales. En virtud de ello, es importante entender que los factores sociales, culturales, históricos e institucionales juegan un importante rol en la cognición humana, todas las funciones mentales tienen un origen social y la acción (tanto social como individual) no puede ser separada del contexto social, cultural, histórico e institucional en el cual es llevada a cabo.
Por tanto, el educador artístico precisa de la Pedagogía y la Didáctica para orientar, analizar e incentivar el gusto y la crítica del arte local, por lo que se resalta siempre la importancia que tiene en el medio social y cultural. Con este propósito se deben articular los diferentes componentes del proceso de enseñanza-aprendizaje, en el cual los objetivos marcan la finalidad del proceso y los fines a los que los estudiantes deberán arribar guiados por el docente no solo en la universidad y las entidades laborales de base, además en la comunidad y en las instituciones culturales.
De acuerdo con lo anterior, el objetivo primordial en este caso, estriba en capacitar a los educadores artísticos, para que una vez aprendidos los conocimientos del arte local sepan enseñarlo desde un pensamiento crítico, elegir conscientemente sus valores de acuerdo a los significados que tienen para su territorio, y finalmente, puedan utilizarlos para cambiar el medio en el que viven.
Con los objetivos se analiza el contenido, o sea, aquella parte de la cultura que se selecciona en correspondencia con las peculiaridades de los estudiantes y el grupo, la cual revela un sistema de conocimientos históricos-sociales, de habilidades, hábitos y capacidades para pensar históricamente, así como el sistema de normas, ideales, actitudes y valores en correspondencia con el modelo de sociedad en que se enseña esta materia.
De manera particular, el contenido artístico expresa la interconexión de lo material y lo espiritual, pues como actividad humana, refleja el mundo interior de los sujetos creadores y su realidad circundante, por tanto, se afirma que está determinado históricamente por condicionamientos económicos, políticos y sociales del contexto en el que vive el sujeto creador, y a su vez, por las experiencias acumuladas de este a lo largo de su vida.
El arte es considerado también alegoría y símbolo, por tanto, independientemente de que sea el hombre el único capaz de producirlo y disfrutarlo, necesita de la educación artística para comprender sus lenguajes y dialogar sobre el mensaje que trasmite. El arte es un testimoniante vivo de la vida social, cultural, económica, política y artística de las culturas del presente y del pasado, pues a través de este se puede conocer la historia local, enseña a entender dónde se está, a la vez que hace reflexionar hacia dónde se quiere ir.
La enseñanza para que sea descolonizadora nunca debe partir de la concepción absolutista y cerrada de la pedagogía tradicional, que está en consonancia con las tendencias hacia lo biográfico y lo formalista de esos modelos descontextualizados y no basados en sujetos activos. Igualmente hay que insistir en el enriquecimiento de los contenidos según el desarrollo de las artes en cada contexto lo cual mantiene la actualización de los saberes de esta rama en relación al propio desarrollo de otras a fines, lo que apunta hacia la enseñanza promotora de un aprendizaje significativo, contextualizado y estético.
De acuerdo con lo anterior, se aboga por el análisis integral de la obra de arte como peculiaridad de la Didáctica de la Historia y Apreciación de las Artes. Ello conduce a dilucidar la necesidad de los hechos artísticos que forman parte de esa historia, se analicen desde una perspectiva interpretativa que, al permitir decodificar los mensajes, contribuya a entender no solo la obra sino su relación contextual, histórica y social.
La enseñanza de la Historia y Apreciación de las Artes desde una perspectiva local, debe incluir el desarrollo de “historias del arte”, producidas desde perspectivas locales, lo que posibilitará comprender que los espacios no constituyen un mero reflejo de lo acontecido en los grandes centros metropolitanos, sino que revisten complejidades y particularidades significativas. De ahí la importancia de estudiar el arte local, en tanto, facilita conocer los rasgos que tipifican un territorio determinado. La Historia del Arte se ha limitado a aquellas obras de arte, sujetos creadores, estilos, movimientos e instituciones, que tenían y tienen lugar en regiones mucho más significativas como las capitales de países.
Como parte de los análisis que se realizan desde la educación artística, es necesario puntualizar un grupo de conceptos claves que permitan comprender cualquier estilo o movimiento. Son el sujeto creador, la obra de arte y el evento cultural. El artista deviene sujeto creador al originar la obra de arte, que a su vez es considerada un objeto de alta potencialidad comunicativa.
En el caso de las obras de arte, se tratan de producciones que, en determinado momento histórico, son susceptibles de incorporarse a los circuitos socialmente reconocidos como artísticos. De acuerdo con lo anterior, los eventos culturales constituyen actividades artísticas, políticas, recreativas, que en sentido general tienen una función social, contribuir a socializar las obras de arte, los sujetos creadores con el público que las consume.
A partir de lo señalado, es fundamental destacar que la apreciación de una obra de arte se ha considerado un acto de cocreación, ya que el receptor atribuye al objeto artístico nuevas interpretaciones y significados, que pueden aludir valores de identidad, lo que resulta valioso para el tratamiento del arte local en el proceso de enseñanza-aprendizaje de la Historia y Apreciación de las Artes.
La apreciación implica también tener en cuenta el desarrollo de situaciones protagonizadas por los propios estudiantes para que asuman posiciones activas ante la vida, lo cual le permite establecer sus criterios y valoraciones. En este sentido, es relevante enseñar y aprender el contenido in situ, pues desarrolla un aprendizaje significativo de los estudiantes. Por tanto, al interactuar los estudiantes con el arte de su localidad, estos pueden llegar a la significación práctica del contenido a través de sus raíces artísticas, a la vez que contribuye a su motivación y desarrollo de valores de identidad.
Por último, el arte local es un concepto amplia e indistintamente empleado, si bien no presenta una definición, se reconoce como el arte propio, sin delimitarlo a un espacio geográfico determinado, pues en tanto unos lo conciben desde un continente, otros lo circunscriben al país, municipio o Estado en que residen. No obstante, la mayoría de las apreciaciones coinciden en que los límites de este marco, estriban en las relaciones que se producen entre las obras de arte, los sujetos creadores y los espectadores que las consumen e identifican con ellas.
El arte local será asumido como la selección de hechos, procesos, fenómenos singulares y locales del pasado lejano o próximo y del presente en su relación con el devenir histórico nacional, así como las personalidades que actúan en ellas, en un determinado territorio con flexibilidad de límites, de acuerdo a un interés pedagógico concreto, actividad en la cual los estudiantes asumen una posición activa en el estudio e investigación de las fuentes, para lo que establecen comunicación cognitiva y afectiva con la localidad (
En este criterio se resaltan aspectos relacionados con el contexto histórico en el marco local y las personalidades que intervienen en este, lo que genera un acercamiento afectivo de los estudiantes hacia los hechos, procesos y fenómenos locales. Estos elementos resultan medulares para el tratamiento del arte local, por tanto, deben tomarse en consideración al abordar este asunto.
Lo anterior conduce entonces a plantear que el Arte Local comprende aquellas obras de arte, sujetos creadores y eventos culturales del pasado lejano o próximo y del presente, que, en su relación con el devenir histórico artístico nacional, actúan en un determinado territorio con flexibilidad de límites, y pueden influir en los estudiantes a través del proceso de enseñanza-aprendizaje para el desarrollo de su identidad. De lo anterior, se precisa que los rasgos del arte local son: lo contextual histórico artístico, el entorno natural y los valores de identidad, que al analizarse junto con los conceptos sujeto creador, obra de arte y evento cultural permiten entender que el arte local es un contenido del proceso de enseñanza-aprendizaje de la Historia y Apreciación de las Artes.
En el enfrentamiento a los patrones culturales coloniales, la escuela vinculada a la localidad, desempeña un papel decisivo, pero los docentes tienen que tener en cuenta, que hoy nuestros estudiantes reciben una enseñanza paralela y a menudo contradictoria con respecto a lo que ofrecen los sistemas educativos. Para los jóvenes las redes sociodigitales no son solo una plataforma o un canal de comunicación, significan una extensión del mundo real que viven y en el cual sienten más realización que frustración, en el cual refuerzan su “identidad digital”, más aceptada que su identidad social y lastimosamente hasta familiar y escolar (en algunos casos).
Se debe defender el concepto de modernidad e identidad descolonizada cubano frente al modelo capitalista depredador. Además, estudiar a fondo y difundir la obra de los universales como Martí y Villena; Fidel y el Che; Fernando Ortiz y Nicolás Guillén; Alejo Carpentier y Lezama Lima; Retamar y Silvio Rodríguez, todos indispensables en el pensamiento cubano de la descolonización; también hay que profundizar y destacar sus huellas en el arte y la cultura de cada localidad y aún más decisivo, la impronta de todos aquellos que han realzado el Arte Local.
Sobre la base de estos fundamentos y el acercamiento a las investigaciones educacionales, se determina como carencia teórica, la necesidad de argumentar que el Arte Local es un contenido del proceso de enseñanza-aprendizaje de la Historia y Apreciación de las Artes en la carrera Licenciatura en Educación Artística y como un medio eficaz para contrarrestar las influencias negativas e impactos devastadores de la colonización cultural.
The theoretical foundations of the didactic treatment of local art in the teaching-learning process of History and Appreciation of the Arts in the Bachelor's Degree in Art Education and the importance of this process to contribute to the reversion of the negative effects that the influences of cultural colonization have on students are presented. The historical-logical, analysis-synthesis and induction-deduction methods were used. The main results demonstrate the need to argue that local art is a content of the teaching-learning process of History and Appreciation of the Arts in the Bachelor's Degree in Art Education.
The collapse of a model of socialist construction in Europe reinforced the old colonizing yearnings of the former metropolises, now imperialist powers. Francis Fukuyama's theory of the End of History and neoliberal globalization were the ideological and economic forms to be imposed by the new imperial hegemonism.
This process, today elevated to levels of forced socialization, thanks to the technological revolution and the domination of the means of production of the predominant ideas, is known as Cultural Colonization.
Cultural colonization devastates national identities, the collective memory of nations and communities, their symbols, their roots. It stimulates cultural and historical amnesia, empties of meaning concepts such as homeland, people, and nation and it promotes the inferiority complex typical of the colonized before the superior culture of the colonizers.
In this scenario, contradictorily to what one might think, Art, as an expression of creation and sublime recreation of the human senses and feelings, is the effective “weapon” to wrest from the “conquering hosts” to “fight” the alienating influences of cultural colonization and to do so in their own environments of domination, be it in physical spaces such as communities, virtual ones, socio-digital networks and the Internet.
Defining art today is complex, since there is an ever-widening universe of manifestations, techniques, experiences, which have broadened the spectrum of what was first considered as such. There are many investigations and debates that have arisen from different sciences throughout history, which demonstrates the importance of the arts for the development of mankind. However, it should be noted that the emergence of Marxism opened a new stage in the understanding of art, its functions and its history, since Marxist theorists proved that it is a reflection of social reality determined by social, historical and economic conditioning factors, and, in addition, it is part of ideology.
Cultural colonization proposes to reject any intellectual challenge of a certain complexity, to worship simplification, superficiality, living in the present, erasing the past and not thinking about the future, consumerism as the only way to happiness. It is a call to practice the most ruthless individualism, to think only of saving oneself without taking into account others, to discard collective solutions, to live with the idea that every winner reaches his goal thanks to the defeat of the losers.
They inculcate the farce that people living in misery are responsible for their misfortunes, so that the causes of the immense social inequalities that the world suffers today remain hidden. They make their followers believe that they have freedom of choice, when, in reality, as it happens with the “menu cards”, some “Chef” has already decided what they have to consume, previously induced from the laboratories that model tastes and stereotypes, the “cool” and the sexy, the prosperous and the failed, who succeeds and who loses.
The challenge is to form an individual with critical thinking, capable of consuming whatever alienating cultural product is produced by the hegemonic colonizing machines, from the ability to correctly appreciate the works of art, with weight from the locality and supported by an effective teaching-learning process of History and Appreciation of the Arts, as it happens in the Bachelor's Degree in Art Education.
Consequently, it is essential to base this theoretical assumption on Marxism-Leninism, the Historical-Cultural approach and the contributions of Cuban pedagogy in order to argue that local art is a content of the teaching-learning process of History and Appreciation of the Arts in the Bachelor's Degree in Art Education.
With the emergence of Marxism, a new stage was opened for the understanding of art, its functions and its history. The starting point is the dialectical-materialist conception of History, formulated by Marx and Engels, in the 40s of the 19th century: “It is not the consciousness of men that determines their being; but on the contrary, it is their social being that determines their consciousness” (
According to
The above demonstrates the social and anthropological character that art possesses, as it becomes meaningful when it interacts with the receivers. It reaches its true meaning when the spectator appropriates it and turns it into an experience that will inevitably transform him.
Art as knowledge formed by a creative subject, assumed by those who enjoy and appreciate it, emerges because there is a human being, who lives and interrelates in an objective and material reality and who can only turn that reality into art, first “discovering” it with his senses, elaborating it in his brain and returning it in a recreated way to nature and society.
In the same way, for an objective appreciation and education in the appreciation of the arts,
The ideas of the dominant class are the dominant ideas in each epoch, or in other words, the class that exercises the dominant material power in society is, at the same time, its dominant spiritual power. The class that has at its disposal the means for material production has, at the same time, the means for spiritual production, which means that the ideas of those who lack the necessary means to produce spiritually are subjected to it at the same time. (p. 50)
This means that for a correct appreciation of the arts the invariant is present: who produces the art and who dominates the means to produce them. The answers to these questions ultimately determine the needs and objectives of artistic production.
On the other hand, the subjects who appreciate works of art must do so, not only motivated by the desire to learn (out of duty or for life), because they were attracted by the contact with the beauty and sublime of the work of art, but also because, upon getting to know the work, the creator, the locality, they feel that they are part of what is known because they identify with its way of being and thinking, that they are members of the social community that nurtures it, that protects its work and shelters those who appreciate it. A subject that interacts in this way grows within himself.
In this exercise of appreciation, the accumulation of human relationships that contribute to facilitate creation, as an expression of local and national culture, can be seen. The symbolic plays an essential role in understanding the different codes, symbols and artistic expressions that reflect certain social and cultural aspects, whose meanings only man can understand. His imaginative capacity allows him to decode certain codes hidden in the works of art that underlie the superficial, and by means of analogies he establishes relationships to understand the work.
Therefore, the main function of art is to satisfy the aesthetic needs of human beings. Therefore, from the artistic recreation of reality, the artist provides aesthetic pleasure, spiritual enrichment and personal satisfaction in its various forms of expression. Thus, art is not only a content of the education of human beings, but also a means to educate them, to broaden their vision of the world and of themselves.
Therefore, it should be taken into account that the link between art and social reality is based on three assumptions about reality: it is in constant movement, it is a multidimensional process, and it also synthesizes various temporal processes. Therefore, the understanding of art must be assumed as an active principle of collective life, capable of contributing by its own means to the dynamics of social transformation.
It is known that the creative subject, when nourished by the diverse contexts for the conformation of the work of art, is influenced by economic, political and social conditions. Therefore, no study of art can neglect the physical processes, the needs of the human organism to which the means of production are related, as all this occurs within historically conditioned social situations, so that importance should be given to the historical study, the general analysis of a given period or society, and its reflection in the works of art, so that both the content and the form can be represented as dependent on the known fact.
The natural environment is another of the factors that influence the development of the subjects, this includes a group of particular elements inherent to each region, such as its own geography, material wealth, soils, hydrography, even, the climate itself, its flora and fauna; therefore, these can somehow influence the creative subjects and be reflected in their works of art, as well as in local cultural events. The aforementioned reasons show that for the analysis of local artistic manifestations it is necessary to notice the formal characteristics of the work and the historical and artistic contexts, the natural environment and the life of the creative subject.
The above leads to think about the value of art education as a task and result of the relationship between art and education with a pedagogical criterion, since it offers the possibility of transforming students, both cognitively, affectively, socially and spiritually, by bringing them closer in a singular and attractive way to what others think, to understand, admit and tolerate other ways of feeling and thinking, which will allow them to learn to be, to learn to live together and to learn to learn.
Such postulates become relevant in the educability of Art Education teachers and students, who, by appreciating local works of art, not only understand the world around them, but also appropriate feelings, attitudes and values of identity related to love and respect for the land where they are born, art and cultural traditions of the territory where they live, and therefore, can influence the education of other subjects in educational contexts.
Research in the field of the arts has shown that artistic activity, feelings and aesthetic needs of those who consume it, have their origin in the need for interaction of human beings with works of art, through the processes of socialization and individualization. In this sense, contexts become important as spaces of subject-object interaction. However, for the social studies of art, the study of the local constitutes a determining context in the conformation of an artistic-cultural process.
In the educational field, when teaching the art of the locality, the internalization of its essential features occurs, so that the student appropriates knowledge, skills and values, which he materializes in his modes of action and has repercussions on the socialization he develops in the educational contexts with the aim of full social insertion.
Such issue connotes the cultural institutions, the university, the community and the grassroots labor entities, as socializing agencies, which need the treatment of local art to educate in correspondence with the values of identity. Based on the above, these contexts play a basic role in the formation of the Art Education professional, as they are those spaces where students interact through communication and the development of activities of individual and collective interest, where they participate, learn and socialize about local art.
The locality is the most accessible, close and, therefore, ideal space for the exchange of Art Education students with art and its creators, a context with which they have common features, since they live day by day with it as part of their environment. Therefore, special significance is given to the influence of the local context for playing an essential and determining role in the development of the student, who does not passively receive the influence, but actively reconstructs it. Everything with special attention to the role of social interaction with others (especially with experts and teachers) has fundamental importance for the psychological development (cognitive-affective) and the formation of values in the student.
Values do not exist outside social relations, society and human beings; they designate the significance of facts, phenomena, subjects, relations and processes for an individual, a group or society in general. Hence the role of education in the transformation of society, which in the Cuban context acquires an axiological character by being the bearer of the means and resources to form the student with an ethic, which responds to the context in which he lives and transforms it for the benefit of the community, which is materialized in his human condition and self-transformation.
In line with the above, the art educator must be an active agent of reality, capable of promoting the self-regulating development of the personality, encouraging the imagination, by providing sensory knowledge through the approach to local works of art. In this way, by valuing works of art, the affective aspect emerges, while contributing to the formation of values, acquiring visions, conceptions and knowledge related to their cultural roots and identity. Although this idea reaches transcendence, it requires theoretical arguments that favor the distinction of local art in the teaching-learning process of History and Appreciation of the Arts, in order to contribute to the formation of local identity values.
Identity is assumed as the set of historical values, properly cultural in the total and wide sense of the term and strictly artistic values, which reaffirms the sense of belonging to a social group and implies the internalization of the qualities, experiences and situations of the social environment.
Local cultural identity will be seen as the identification of a human group with those elements of the very spirit of cultures: oral tradition, dances, games, food, clothing, practices; as well as the recognition of community personalities. In addition, they are associated with history, religious ceremonies, food, games, festivals, crafts and the cultural development of the locality. From the aforementioned, it means that the study and appreciation of local art promotes the formation of identity values, by creating a link with the works of art of the territory and its artists.
From psychology, the approach to the subject from the paradigm of education referred to the Historical-Cultural approach, is pertinent because of the integrating conception of education and human development, the historical-cultural vision of cognition, the interdependence of the cognitive and the affective and the look of the psychology of art, transited by the experience, an indispensable element for the study of local art, which requires direct contact with the work of art, its creator and the cultural events in which they are socialized to develop identity values.
For Vygotsky, learning is a social process in which higher order mental functions are the product of an activity mediated by society, where language is the most influential psychological tool. First the individual performs external actions, which will be elucidated by those around him, according to culturally established meanings. It is from this interpretation that it will be possible for the individual to attribute meaning to his individual actions and develop his own internal psychological processes, which can be interpreted not only by himself, based on the mechanisms established by the group and understood through the cultural codes shared by the members of this group (
It is also important to pay attention to the role of activity in the development of psychic processes and personality formation, through the relationship between subjects (mediated by communication) and between them and the objects of the activity.
An activity is oriented by a motive; actions are oriented by goals and operations by conditions. In this conception, activity is a process, seen as a whole, not a linear sequence of individual actions. By virtue of this, it is important to understand that social, cultural, historical and institutional factors play an important role in human cognition, all mental functions have a social origin and action (both social and individual) cannot be separated from the social, cultural, historical and institutional context in which it is carried out.
Therefore, the art educator needs Pedagogy and Didactics to guide, analyze and encourage the taste and criticism of local art, always highlighting its importance in the social and cultural environment. With this purpose, the different components of the teaching-learning process must be articulated, in which the objectives mark the purpose of the process and the ends to which the students must arrive guided by the teacher not only in the university and the basic labor entities, but also in the community and in the cultural institutions.
According to the above, the main objective in this case is to train art educators, so that once they have learned the knowledge of local art, they know how to teach it from a critical thinking, consciously choose their values according to the meanings they have for their territory, and finally, they can use them to change the environment in which they live.
With the objectives, the content is analyzed, that is, that part of the culture that is selected in correspondence with the peculiarities of the students and the group, which reveals a system of historical-social knowledge, skills, habits and abilities to think historically, as well as the system of norms, ideals, attitudes and values in correspondence with the model of society in which this subject is taught.
In particular, the artistic content expresses the interconnection of the material and the spiritual, because as a human activity, it reflects the inner world of the creative subjects and their surrounding reality, therefore, it is said that it is historically determined by economic, political and social conditions of the context in which the creative subject lives, and in turn, by the accumulated experiences of this throughout his life.
Art is also considered allegory and symbol, therefore, regardless of the fact that man is the only one capable of producing and enjoying it, he needs art education to understand its languages and dialogue about the message it conveys. Art is a living testimony of the social, cultural, economic, political and artistic life of the cultures of the present and the past, because through it we can learn about local history, it teaches us to understand where we are, and at the same time it makes us reflect on where we want to go.
In order for teaching to be decolonizing, it must never start from the absolutist and closed conception of traditional pedagogy, which is in line with the tendencies towards the biographical and formalist of these decontextualized models and not based on active subjects. Likewise, it is necessary to insist on the enrichment of the contents according to the development of the arts in each context, which maintains the updating of the knowledge of this branch in relation to the development of others, which points towards teaching that promotes meaningful, contextualized and aesthetic learning.
In accordance with the above, the integral analysis of the work of art is advocated as a peculiarity of the Didactics of History and Appreciation of the Arts. This leads to elucidate the need for the artistic facts that are part of this history to be analyzed from an interpretative perspective that, by allowing the decoding of messages, contributes to understand not only the work but also its contextual, historical and social relationship.
The teaching of History and Appreciation of the Arts from a local perspective should include the development of “art histories”, produced from local perspectives, which will make it possible to understand that the spaces are not a mere reflection of what happened in large metropolitan centers, but that they have significant complexities and particularities. Hence the importance of studying local art, inasmuch as it facilitates the understanding of the features that typify a given territory. Art history has been limited to those works of art, creative subjects, styles, movements and institutions that took place and still take place in much more significant regions such as the capitals of countries.
As part of the analysis carried out by art education, it is necessary to point out a group of key concepts that allow us to understand any style or movement. They are the creative subject, the work of art and the cultural event. The artist becomes a creative subject when originating the work of art, which in turn is considered an object of high communicative potential.
In the case of works of art, these are productions that, at a certain historical moment, are susceptible of being incorporated into the circuits socially recognized as artistic. According to the above, cultural events constitute artistic, political and recreational activities, which in a general sense have a social function, contributing to socialize the works of art, the creative subjects with the public that consumes them.
Based on the above, it is essential to emphasize that the appreciation of a work of art has been considered an act of co-creation, since the receiver attributes new interpretations and meanings to the artistic object, which may allude to identity values, which is valuable for the treatment of local art in the teaching-learning process of History and Appreciation of the Arts.
Appreciation also implies taking into account the development of situations led by the students themselves so that they assume active positions in the face of life, which allows them to establish their criteria and evaluations. In this sense, it is relevant to teach and learn the content in situ, since it develops a significant learning of the students. Therefore, as students interact with the art of their locality, they can reach the practical significance of the content through its artistic roots, while contributing to their motivation and development of identity values.
Finally, local art is a concept widely and indistinctly used, although it does not present a definition, it is recognized as one's own art, without delimiting it to a specific geographic space, because while some conceive it from a continent, others circumscribe it to the country, municipality or state in which they reside. However, most of the assessments agree that the limits of this framework lie in the relationships that occur between the works of art, the creative subjects and the spectators who consume and identify with them.
Local art will be assumed as the selection of facts, processes, singular and local phenomena of the distant or near past and of the present in its relation with the national historical becoming, as well as the personalities that act in them, in a certain territory with flexibility of limits, according to a specific pedagogical interest, activity in which students assume an active position in the study and research of the sources, for which they establish cognitive and affective communication with the locality (
This criterion highlights aspects related to the historical context in the local framework and the personalities involved in it, which generates an affective approach of the students towards local facts, processes and phenomena. These elements are essential for the treatment of local art; therefore, they must be taken into consideration when approaching this subject.
The above leads then to state that Local Art comprises those works of art, creative subjects and cultural events of the distant or near past and of the present, which, in their relationship with the national artistic historical evolution, act in a certain territory with flexibility of limits, and can influence students through the teaching-learning process for the development of their identity. From the above, it is specified that the features of local art are: the artistic historical contextual, the natural environment and the identity values, which when analyzed together with the concepts creator subject, work of art and cultural event allow understanding that local art is a content of the teaching-learning process of History and Appreciation of the Arts.
In the confrontation of colonial cultural patterns, the school linked to the locality, plays a decisive role, but teachers have to take into account, that today our students receive a parallel and often contradictory teaching with respect to what is offered by the educational systems. For young people, socio-digital networks are not only a platform or a communication channel, they are an extension of the real world they live in and in which they feel more fulfillment than frustration, in which they reinforce their “digital identity”, more accepted than their social identity and unfortunately even their family and school identity (in some cases).
The concept of modernity and decolonized Cuban identity must be defended against the predatory capitalist model. In addition, the work of universals such as Martí and Villena; Fidel and Che; Fernando Ortiz and Nicolás Guillén; Alejo Carpentier and Lezama Lima; Retamar and Silvio Rodríguez, all indispensable in the Cuban thought of decolonization, must be studied in depth and their traces in the art and culture of each locality must be highlighted, and even more decisively, the imprint of all those who have enhanced Local Art.
On the basis of these foundations and the approach to educational research, it is determined as a theoretical deficiency, the need to argue that Local Art is a content of the teaching-learning process of History and Appreciation of the Arts in the Arts Education degree course and as an effective means to counteract the negative influences and devastating impacts of cultural colonization.